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My Bloody Valentineの新譜はやっぱり「マイブラ」でした

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何だか、久々のブログ更新になってしまった。
まあ、前回の更新から1年経ってないということで許してください。


My Bloody Valentine(以下「マイブラ」)のニューアルバム、『m b v』が公式サイトでリリースされた。なんと22年ぶりの新譜である。寡作で知られるThe Blue Nileでさえ32年で出したアルバムが4枚(さらにソロが去年出た)なのだから、これは長い。比較対象として大いに間違っている気もするが。

ちなみに、久々のブログ更新のネタがマイブラだから、このバンドのことがとても好きなんだな……と思われそうだが、実はリアルタイム世代ですらない。10代の頃に、ギターポップ(そしてネオ・アコースティック)、あるいはエレクトロニカを聴いているうちに、前者の派生として、後者の影響元として、マイブラを知り、その音楽に触れたのが最初の出会いという体たらくぶりである。こんなことを書くと怒られそうだが(なにせ、自分がTwitterでフォローしている人の中にはシューゲイザーで本を書かれた人もいらっしゃるのだ)、嘘をついても仕方がないし、大目に見ていただきたい。少なくとも、新譜が出るということが自分の中で事件になり、記事を書いてしまうぐらいには好きだといえるので、どうかひとつ。

しかし、何しろ22年である。その間に、何度新譜が出ると、何度「ケヴィン・シールズ再始動!」と、何度メンバーがスタジオに入ったと伝えられてきたことか。自分のような非リアルタイムリスナーでさえ、ボックスセットが発売中止になる頃には「もうどうせ何も出ないんだろ」という視点になっていたものである。ぶっちゃけた話、リマスターが無事に出たことさえ驚いたし。ましてや新譜など、「リリースされるかも」というニュースなんかいくらでも書けるわい! 音源を購入して家で聴いて音が鳴るまで信じられるか! といった感じになっていた。結果からいうと、公式サイトでCDでもLPでもデータでも販売、YouTubeで全曲試聴も可能、ということで、割とあっさり信じさせられることになったのだけれど。

ともかく、『m b v』を聴いた感想を。正直、ホッとした。そこにあったのは、まさしくマイブラ節というか、あの空間がぐにゃりと曲がったような音作りだ(後述するが、多くのマイブラフォロワーたちに足りないのはコレなのだ)。時間はかかったけれど、『Loveless』の次に出るアルバムとしては納得の仕上がりでないだろうか。

一方で、ミックスが甘いとか、未発表音源の焼き直しだという人もいるようだ(そのこと自体については、自分もそうじゃないかなと思っているところはある)。個人的にも、前作のすぐ後と、22年が経った今とでは、どっちがより「マイブラのニューアルバム」を素直に受け止められる時代なのかと考えたりもするが、それは仕方のないことだろう。それほど22年という年月は長い。

まあ、逆に言えば、シューゲイザーブームが一段落したのちに、インディーポップ界隈やポストロック勢、あるいはエレクトロニカ勢からの影響・再評価を受けて、マイブラ・チルドレンやニューゲイザー勢などが次々と登場し、シューゲイザー的なものが一つの音楽性、ジャンルとして安定した今になって、「元祖格がカムバック!」みたいな感じになったのはかえって良かったのかもしれない。


ところで、「マイブラ節というか、あの空間がぐにゃりと曲がったような音作り」と言う表現があまりにも雑なので、説明がてら、ちょっと自分のマイブラ体験の話をしたい。といっても、そんなに専門的なことは言えなくて、あくまで印象の話になってしまうことを最初に断っておく。ごめんなさい。

自分の場合、最初に聴いたマイブラはいかにも非リアルタイム世代らしく、『Loveless』だった。轟音でありながら、繊細に重ねられたフィードバックのレイヤーにうっとりとし、なるほどこれがシューゲイザーなのだな、やはり元祖(という言い方は正しくないかもしれないが)なのだなと思った。また、後追い世代としては、「Soon」を聴いて「ははあ、最近の『シューゲイザーの影響を受けた』と評されるミュージシャンたちはこれがやりたいのだな」と穿った見方をしたりもしたので、やっぱりいいリスナーだったとは言いがたい。

しかし、『You Made Me Realise』や『Feed Me With Your Kiss』などのEP(これらは中古市場で高騰したものの、今では『EP's 1988 - 1991』にまとめられている)、1stアルバムである『Isn't Anything』を聴くにつれて、少し違う考えを持つようになった。変な言い方になるが、いわゆる「シューゲイザー」と、マイブラの音楽には、似て非なる点があるんじゃないかと。こんな話はいろんなところで既出も既出なのだろうけれど、やはりここは(後追い世代だからこそ)言っておきたいところである。

じゃあ、「マイブラっぽさ」とは一体何なのか。自分なりの表現で言うと、あの「鳴っているすべての音がぐにゃりと曲がった感じ」なのだ。これをうまく言語化できないあたりに、文才の無さが露呈して大変罪深く思うし、音楽ライターには到底なれないと思うのだけれど、そうとしか自分には言いようがない。さすがに言いっぱなしもあれなので具体例を挙げると、『Isn't Anything』の1曲目「Soft as Snow (But Warm Inside)」のバッキングでうろうろと鳴り続けるギター、「Feed Me With Your Kiss」の後ろでジリジリ響くノイズ、「Glider」の軋むような音響。聴こえている楽器が、どこか自分のいる世界とは違うところで鳴っているような音楽。それが「マイブラっぽさ」の肝だと思う。だから、『Loveless』の音楽もそれらの延長線上に聴こえる。あの複雑なギターノイズ、甘いメロディー、ケヴィンとビリンダのボーカルも、自分にとっては「シューゲイザー」というより、「ぐにゃりと曲がって」いる世界を構成する要素として響く。

そういう点では、一番「マイブラっぽい」と自分が感じるのは、『Loveless』以前のEP、『You Made Me Realise』『Feed Me With Your Kiss』あたりになる(『Loveless』がダメだって言ってるんじゃないですよ、念のため)。それにしても、この2枚は今聴いても十分に刺激的だ。ましてや、発売当時のリスナーに与えた衝撃は相当なものだったのではないか。それまでのロックの文脈にあったギターとは明らかに質が違う「歪み」がここにある。単純に大きい音を鳴らそうとか、過激な音楽を作りたいとか、そういった発想から出てきた「歪み」ではなくて、まさしく鳴っている音の全てが歪んでしまっているような「歪み」。


ずいぶん雑に書いてきたが、マイブラの魅力は「鳴っているすべての音がぐにゃりと曲がった感じ」に強くあると個人的にはとらえているので、フィードバック・ノイズとか、メロディーの浮遊感とか、ボーカルのささやく感じとか(これらも重要な要素なんだろうけど)を突き詰めても、「シューゲイザー」にはなれど「マイブラ」にはならない気がする。いわゆる「マイブラフォロワー」に対して、シューゲイザーとしてはよくできているとは思いながら、何かが違うと感じるポイントは、その辺りにあるんじゃないだろうか。

だから、シューゲイザーにもマイブラにも詳しくない半人前なリスナーではあるけれど、『m b v』にあの「鳴っているすべての音がぐにゃりと曲がった感じ」があってよかった、「シューゲイザー」としてではなく、マイブラの新譜としてのアルバムが出てきたことを素直に喜びたい、そう思うのであった。心のどこかで、「でも、もうちょっと早く出ても良かったんじゃないかな……」と考えたりしつつも。

Michael Kiwanuka / Home Again


Michael Kiwanuka / Home Again
70年代SSWの土の香りを彷彿とさせるアレンジと、ニュー・ソウルの偉人たちのような力強い歌声が素晴らしい。40年前の作品と言われても疑えないのではないかと思えるほど、素朴な懐かしさで包み込んでくれる、絶品フォーキー・ソウル。テリー・キャリアーに心を揺さぶられた人から、ルーツ・ロックを愛するような人にまで聴かれるべき音楽ではないか。ジャケットも名盤の風格。


菊地成孔に対する評の中で、
一番ひどかったのはTwitterで見た
「名前の四文字全てがアナルを連想させる」
だと思う。


「知恵と頑張りで電力は何とかなる、原発はいらない」
といった内容の発言を行っているミュージシャンが、
楽器やアンプなどの機材を使ったり、
音源のマスタリングやパッケージ化などを行ったりするために
必要な電力のことについて何も言わないというのは、
いささかずるい気がする。


高田純次の適当ネタはもういいよ……と思っていたけど、
この前テレビでふと耳にした
「どうも、ヤンバルクイナです」
という一言は適当過ぎてさすがに感服した。
もはや挨拶でも何でもないし、時事ネタでさえない。
そもそも、沖縄とは何にも関係ないロケだったのに。

Robert Glasper Experiment / Black Radio


Robert Glasper Experiment / Black Radio
流麗なピアノと、ボトムの軽いドラムによる端正なブレイクビーツ。ジャズ側からのヒップホップ/R&B側に対するアプローチとしては、最良の結果の一つではないか。ネオソウル界隈で一級の仕事をしてきたゲストの配役も適切。ダブステップの空気さえ感じる「Smells Like Teen Spirit」の浮遊感あるカバーは、逆説的な自信にさえ思えるし、「Cherish the Day」のヴォコーダーやシンセの音色には、例えば一時期のハービー・ハンコックのようなフュージョンの歴史も息づいている。ブラック・ミュージックの様々な系譜と歴史を横断する手腕が実に素晴らしく、優れた審美眼に基づかれたコンピレーションのように聴ける一枚。


小雪がどんどん菩薩顔になっている。


『聖戦ケルベロス』のキャッチコピー、
「美しすぎるカードゲーム」の
「カードゲーム」の部分を改変しようといろいろ考えたけど、
今のところ思いついた中で一番が
「美しすぎるボートピープル」
なので、自分の才能の無さに恥じ入っている。


Twitterでたまに見る、
原発関連のニュースに毒を吐くような
原子力発電所関連のキャラクター非公式botは、
社会派ぶろうとしてるけど大して面白くもない上に、
キャラに喋らせることで責任の所在を曖昧にしたまま
自己顕示欲を満たしたいだけにしか見えないので、
正直バカじゃないだろうか……
と思っていたら書籍を出していた。しかも、非公認で。
バカだった。

Miles Davis / Cookin'


Miles Davis / Cookin'
いわゆる「マラソン・セッション」の中の一枚。冒頭の「My Funny Valentine」、レッド・ガーランドの美しいピアノに導かれて現れる、絶妙なミュート・プレイの音色に息を飲む。「黄金のリズム・セクション」の熱演も素晴らしいが、決して甘い雰囲気に流れることもなく、さりとて悪戯に熱くなりすぎることもないという、アルバム全体に通底する引き締まった空気は、やはりマイルスの統率力の賜物だろう。もちろんハード・バップにおける最良の遺産の一つとしても。


液状のりの「アラビックヤマト」は、
アラビアゴムがその名前の由来らしいけど、
もうちょっとパッケージにアラビック感があってもいいと思う。
ランプの魔人が描いてあるとか。


うどん屋の店員は、
女性が「ぶっかけで!」と注文するたびに興奮しているのだろうか。


80過ぎになっても「生きるとは何か」みたいなことで悩んで、
若者に「いやもう死ぬだろ……」と悪態をつかれたい。

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Galileo Galilei / PORTAL


Galileo Galilei / PORTAL
進化と深化の見事な両立。20代前半の若者たちがこの境地に至ったという驚異。ギターロックを基調に電子音を重ねていく手法の中に、突き抜けるような広がりとフォーキーな穏やかさを巧みに共存させる、その作りこみの妙に唸る。シューゲイザーやダンスミュージックの影響を見せる時にも、透明感を決して欠くことがない繊細かつ丁寧なアレンジが何よりも素晴らしい。伸びのあるボーカルと叙情的な歌詞によって縁取られる、ジャケットの風景のような淡く美しい世界観にはため息さえもれてしまうほど。


今日紹介したGalileo Galileiの新譜は、
「どうしてガンダムAGEなんかとタイアップしちゃったんだよ!」
というよくわからない憤りを覚えるほど出来がいいので、
皆さん騙されたと思って買ってください。


最近女子力が高いと思った発言は、
友人の女性が回転寿司屋でコメントした
「回っているお寿司を見ているだけでお腹いっぱいになる」。


古本屋で『ようこそ断捨離へ』という本が投げ売りされていた。

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ピチカート・ファイヴ / カップルズ


ピチカート・ファイヴ / カップルズ
ソフトロック、A&M、ロジャー・ニコルス……などのキーワードで示される渋谷系〜サバービアの聖典を、巧みな引用と心からの敬愛で蘇らせた、小西康陽の最初の金字塔。擦り切れるほど聴いたであろうレコードからのコード進行やメロディーを織り交ぜ、感動的なエコーで包んだ洋楽そのままのオケもさることながら、「もう若くはない」というモラトリアム的な歌詞を通じて徹底された、非ロック的世界観の構築が見事というほかない。この路線は、「汗知らずスーパー・スウィートソウル」を謳った『ベリッシマ』にも引き継がれている。


40日ぶりのご無沙汰でした。今年もよろしくお願いします。


居酒屋で隣の席の30代前ぐらいの女性が
「言っとくけどね……屯田兵は強い!」
と断言していたけど、
どういう流れでその話題になったのかひどく気になる。


新日本プロレスブシロードの話題、
ミルキィホームズの本編でシャロたちを助けるために
「愛してまーす!」と叫ぶレスラーが登場……
と思いきや舞台の横浜にちなんで、
棚橋ではなくアブドーラ小林が出てきたものの、
ダイビングバカチンガーエルボーがコーデリアさんに誤爆とか、
そういう展開を期待している。


弁当屋やコンビニのサラダは、
明らかに水にさらしたり薬品で洗浄されたりしていて
ビタミンが死んでる感があるけど、あれを食べながら
「地球の奴らは新鮮な生野菜を食べてるっていうのに、
火星暮らしの俺達はこんなバイオ野菜(?)で満足しなきゃならない……」
と思うことでSF気分を味わうことができます。

2011年ベストアルバム20

2011年に発表されたアルバムの中から、
特によく聴いていたものを20枚選びました。
一応番号は振ってありますが、ランキングというより、
「この20枚が好き」という感じですね。
自分の主観で選んだのですが、並べてみると、
静かな雰囲気の作品を多く選んでいる気がします。
今年の素晴らしい出会いに感謝しつつ、
来年も素晴らしい音楽に出会えることを願って。




1. Nujabes / Spiritual State
生前にほぼ完成させていた音源をまとめた、3rdにしてラストアルバム。
心に安らぎをもたらすメロウな旋律は変わらないままに、
今までの作品の中でもっとも穏やかで静謐感さえ漂う、
ここではないどこかを追憶しているような楽曲たち。
音楽への真摯な愛情が詰まっている。



2. Giorgio Tuma / In The Morning We'll Meet
ストリングス、ホーン、シンセ、コーラスの入れ方、
そのどれもが夢見るように美しい。
イタリアから届いた、現代版ソフトロックの最高峰。
子供の頃に読んでもらったお伽話のための
サウンドトラックがあるとしたら、きっとこんな感じ。



3. Seun Anikulapo Kuti & Egypt 80 / From Africa With Fury Rise
野性味の先鋭化とでもいうべきアフロ・ビートの最新系。
土着的なホーンとリズム隊の迫力を削ぐことなく、
空間の広がりを感じさせる音作りがなされているのは、
プロデュースに関わったブライアン・イーノの貢献か。
生々しさと人工的な手触りの魅惑的な融合。



4. Brent Cash / How Strange It Seems
メロディーの輝きがジャケットの浜辺のようにまぶしい、
ビーチ・ボーイズやソフトロックの名作への真っ直ぐな愛情に溢れた、
一切の衒いもない現代のサンシャイン・ポップ。
インナーの謝辞にルイ・フィリップの名前があるということに
微笑んでしまう人は必聴。



5. Bonnie "Prince" Billy / Wolfroy Goes to Town
混じりっけなしの濃いバーボンを
夜中で一人傾けているような、渋くも優しい一枚。
カントリー、フォーク、ブルースを
じっくりと蒸留させた演奏もさることながら、
本人の歌声の味わい深さが他の何にも代えがたい。



6. James Blake / James Blake
21世紀のブルー・アイド・ソウルとして聴くべき、密やかな美しさ。
聴く者の耳元で鳴り続けるような、
静かなる熱狂と一瞬の瞑想をもたらすダンス・ミュージック。
繊細なプログラミングによるロウ・ビートと、
囁きそのもののボーカルに、蒼くほの暗い情熱が聴こえてくるはず。



7. Mayer Hawthorne / How Do You Do
往年のソウル・ミュージックを現代に蘇らせる
白人ソウルマニアの2nd。
前作より音の幅が広がり、爽快なポップさが前に出てきて
逆説的だけれど、ブルー・アイド・ソウル的な質感もあったり。
その「こなれている感が」良い方向に出ていると思う。



8. Canon Blue / Rumspringa
チェンバー・ポップと紹介されてはいるが、
ストリングスの不思議な入れ方、妙なリズム、
ボーカルの入り方がとにかくいちいち耳に残る。
やたらとキャッチーなリフも含めて、
今まで聴いたことがあるような、ないような。そんな不思議なアルバム。



9. Goldmund / All Will Prosper
アメリカ南北戦争時代の音楽を丁寧になぞったカバー集。
旋律の一つ一つをいとおしむようなピアノの豊かな残響はそのままに、
アコースティックギターの優しい爪弾きが、音像をより和やかに仕上げている。
ピアノのペダルを踏む音やギター弦の擦れる音まで豊かに感じられる、
リアルな録音も特筆すべき、モノクローム色の素朴な輝きに満ちた銘品。



10. Ron Sexsmith / Long Player Late Bloomer
「いい曲」がただそこにあるだけ、という快感。
よりポップで厚みを増したアレンジによる、弾けるような爽快さ。
初期のフォーキーな優しさに開放感が加わったものの、
日常にありふれた美しさをそのまま歌う素朴な暖かみと、
穏やかな感傷とでもいうべきビターな味わいはしっかりと残してある。



11. Tatiana Parra & Andres Beeuwsaert / Aqui
アルゼンチンの広い平原を思わせる、
不思議なコード感のピアノと美しい歌声の重なりあいが
聴く人の心を静かに落ち着かせてくれる。
アルバムのエンディングを飾る
「Corrida de Jangada」は絶品中の絶品。



12. Nils Landgren / The Moon, The Stars And You
ほぼ全編に渡って彼自身がボーカルを披露。
親しい友人に話しかけるような、優しい歌声が心をあたためる。
たおやかなピアノ・トリオをメインに、
曲によってゲストや洒脱なオーケストラが加わる編成も心憎い。
暗い部屋に蝋燭を灯すような、気持ちをそっと明るくしてくれる一枚。



13. Gretchen Parlato / Lost & Found
女性ジャズボーカルものなのだけれど、
「Jazzy not Jazz」の最良型というか、
バックの演奏と本人の歌声の雰囲気の良さ、
センスが何よりも素晴らしい。
「Juju」や「Blue in Green」という選曲も最高。



14. Booker T. Jones / The Road from Memphis
The Rootsのメンバーがバックを固め、
タイトかつファンキーに煽る極上のソウルアルバム。
御大のオルガンも、出るところはがっちり出る、
引くところはしっかり引くというバランスが完璧。
ゲストのボーカリストの選出も抜群。



15. Jono McCleery / There Is
震えるようなボーカルと、スリリングかつ繊細なプロダクション。
音の質感は違えどJames Blakeのアルバムに近いような。
あちらが「ダブステップ+ブルー・アイド・ソウル」なら、
本作は「SSW+ダブステップ」という感じ。
風にたなびくようギターの音色と歌声に、そっと目を閉じる。



16. 山下達郎 / Ray of Hope
ほとんどいつも通りだし、どれも同じ感じだし、
昔から何も変わっていない。
それらが何のマイナスにもならないというか、
聴いているとやっぱり感動しちゃうのが流石としか。
どこを切っても山下達郎のクオリティ。



17. Gillian Welch / The Harrow & the Harvest
本人のアコギやバンジョーの弾き語りに、
旦那のDavid Rawlingsのギターとコーラスが
そっと寄り添う、カントリー風味も漂う素朴なフォーク。
曲も演奏もシンプルにして実に心地よい。
ジャケットも名盤の風格。



18. The High Llamas / Talahomi Way
何もすることがない休日の昼下がりのような、
コードと音色の巧みな配置による、コンパクトな音の箱庭。
ビーチ・ボーイズを思わせる穏やかなハーモニー、
夢見るようにノスタルジックなアレンジはそのままに、
よりアコースティックに、よりまろやかに。



19. Mark McGuire / Get Lost
シューゲイザー meets アシュ・ラ・テンペル」。
サイケっぽさも感じるギターの重なりによるレイヤーと
ミニマルな電子音との絡み合いに陶酔。
浮遊感と陶酔感を漂わせた、
明るい夏の夜の空を眺めているような、穏やかなサイケデリア。



20. 平賀さち枝 / さっちゃん
女性の明るい声ではきはきと歌われる、
ささやかな世界を歌う現代の四畳半フォーク。
ありそうでなかった世界なので、
サブカル方面に変に消費されないことを祈る。
中央線沿線で暮らしている若者たちに素直に届けばいい。